От редакционния екип на “Девет коментара за комунистическата партия” – книгата, вдъхновила над 300 милиона души да напуснат Китайската комунистическа партия.
1. Изкуството: дар от Небесата
През многото години на човешката цивилизация човекът е размишлявал върху това какво е истинската красота. Вярващите хора знаят, че всички чудеса на света идват от божественото. Дълбокото изкуство е опит да се подражава на красотата на небето и тя да бъде разкрита в човешкия свят. Вдъхновението идва от божественото и творците могат да се превърнат в изключителни личности в своята област, ако са получили божествените благословии и мъдрост.
Със силна вяра в божественото и преданост към него великите художници през Ренесанса впрягат изобретателността си, за да създадат произведения в прослава на Бога. Художниците от средата на Ренесанса, сред които Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаел, усвояват техники, които като по чудо далеч надхвърлят тези на техните предшественици и връстници. Техните шедьоври – включително картини, статуи и архитектура – се превръщат в непреходна класика в света на изкуството.
В продължение на векове тези произведения на изкуството са благороден пример за човечеството. Благодарение на това изкуство, художниците от следващите поколения не само могат да изучават чистата художествена техника, но и цялото общество може истински да почувства и види присъствието на божественото. Когато душевността на художниците и техниките, с които са създадени тези творби са запазени, човешкото общество може да поддържа връзка с божественото. Тогава, дори когато човечеството преминава през периоди на упадък и падение, ще има надежда за завръщане към традицията и път към спасението.
Същите принципи са валидни и в сферата на музиката. Както се казва в една поговорка (според сведенията от немски оперен театър): „Бах ни даде Божието слово. Моцарт ни даде Божия смях. Бетовен ни даде Божия огън. Бог ни е дал музиката, за да се молим без думи“. През целия си живот Йохан Себастиан Бах смята предаността, възхвалата и поклонението пред Бог за най-висши принципи при създаването на музиката си. Върху всички негови важни музикални партитури могат да се видят буквите SDG – съкращение от „Soli Deo gloria“, което означава „Слава само на Бога“.
Най-високото ниво, което един творец може да достигне, е материализирането на небесните обекти в човешкия свят чрез божествено откровение. Великите картини и статуи, както и най-възвишените партитури в ранния, бароковия и класическия канон, са създадени от религиозно вярващи и представляват върха на художественото творчество, достигнат от човека.
Трите най-важни елемента в художественото творчество са представяне, създаване и общуване. Всички художествени произведения съдържат тема, т.е. посланието, което художникът се стреми да предаде, независимо от формата, която творбата приема – дали е стихотворение, картина, статуя, фотография, роман, пиеса, танц или филм. Художникът предава темата на сърцето на читателя, слушателя или зрителя. Този процес е комуникацията – предаването на съзнанието на художника на получателя.
За да постигнат целта на комуникацията, художниците трябва да притежават превъзходна способност да имитират и изобразяват, като обектът на имитация е светът на боговете или на хората, или дори подземният свят. Художественото творчество е процес на усъвършенстване на по-дълбоките или по-съществените елементи на обекта на изобразяване. То изисква от художниците да засилят собствената си способност да общуват и да докосват сърцата на хората. Ако художникът притежава праведна вяра в божественото и в морала, божественото ще го дари с вдъхновение да твори. Такива творби ще бъдат божествени, чисти и благотворни – полезни както за твореца, така и за обществото.
От друга страна, когато творецът изостави моралните норми, отрицателни елементи превземат творческия процес, като злите сили оказват влияние и използват твореца, за да изобрази отвратителни творения и гротески от подземния свят. Подобни творби вредят на своя автор и на обществото като цяло.
По този начин стойността на ортодоксалните, традиционни изкуства става ясна. Божествената култура и изкуството на Изток и Запад са връзките, изтъкани между божествената и човешката цивилизация и имат за цел да ги доведат до контакт. Идеите и посланията, предавани чрез това изкуство, са красота, добронамереност, светлина и надежда. От друга страна, покварените произведения на „изкуството“ са създадени от онези, които са под контрола на зли елементи. Те забиват клин между човека и божественото и приближават хората към злото.
2. Огромното влияние на изкуството върху човечеството
Великите произведения на изкуството предават наследство, разпространяват знания, мъдрост и укрепват характера. Те заемат значимо място във великите цивилизации на Запада и Изтока.
Древногръцкият математик и философ Питагор вярва, че тайната на музиката е в имитацията на хармонията на небесните тела, която сама по себе си отразява хармонията на Вселената.
Китайците са имали подобни възгледи. В „Трактати за музиката и хармонията“ се обсъжда съответствието на музиката с петте елемента (метал, дърво, вода, огън и земя) и как музикалните инструменти са конструирани така, че да представят и имитират моделите на небето и земята. Само по този начин може да се постигне „музика с най-велик стил“, която показва „същата хармония, която цари между небето и земята“. [1] Този вид музика е в състояние не само да привлече божествени птици като жерава и феникса, но и да послужи като покана към божествата да удостоят случая с присъствието си.
Конфуций веднъж казал: „Династията Чжоу е превъзхождала двете предишни династии; нейните пътища са изтънчени и елегантни. Аз следвам Чжоу.“ [2] Той се възхищавал как легендарните китайски владетели управлявали с помощта на ритуали и музика: „Мъдрецът-император Шун изобретил музикален инструмент с пет струни, който нарекъл цин, пеел по неговата мелодия за нежния летен вятър от юг и ето че империята му вървяла гладко [под въздействието на музиката му].“ [3] Тези примери илюстрират поучителното въздействие на чистата, праведна музика.
„Музиката на принца на Цин, който разбива фронта на врага“, композирана от великия император от династията Тан Ли Шимин, печели дълбокото уважение на етническите групи, живеещи в периферията на царството Тан. В „Новата книга на Тан“ е записано, че по време на пътуването си, за да търси будистки писания от Запада, монахът Сюанзан е уведомен от крал в отдалечена индийска държава: „Вашият император трябва да е светец, защото е композирал „Музиката на принца на Цин, който разбива вражеския фронт“. [4]
По време на управлението на Луи XIV френският кралски двор демонстрира голяма елегантност чрез танците и изкуството. Танцът съдържа не само техниките на движение, но и социалния етикет и норми. Луи XIV вдъхновява Европа чрез изкуството и културата на своя двор и става пример за подражание за други дворове и за населението на Европа като цяло.
Фридрих Велики от Прусия не само е бил изключителен крал, но също така е бил отличен музикант, композитор и флейтист. Той нарежда построяването на Берлинската опера, лично я ръководи и я отваря за по-широк кръг от социални слоеве. И до днес операта остава важна част от германската култура. Тези няколко примера ясно показват дълготрайното влияние, което ортодоксалното изкуство може да окаже върху обществото.
Православното изкуство също е съобразено с природните закони, подражава на божествената мъдрост и носи със себе си особена енергия и ефекти. То носи полза на хората, като подхранва както сетивата, така и душата. В общението си с темата на произведението най-великите художници работят не само на физическо и техническо ниво, но и на духовно ниво. Такива художници понякога изразяват усещане за преживяване на висша сила отвъд този физически свят. Ефектът е подобен на този, когато пеем ода за Бога – тържествено и божествено преживяване, което надхвърля човешкия език. Зад истинското изкуство се крият натрупаната мъдрост на един народ, неговото творчество и вдъхновение. Често в него се крият дълбоки значения, които далеч надхвърлят видимото на повърхността. Някои произведения предават особен вид духовна енергия. Всичко това оказва въздействие върху зрителите на дълбоко, духовно ниво. Ефектът е изключителен и незаменим с никакви други средства.
Един превъзходен художник може да повлияе на морала на обществото, като внуши ценности в сърцата на хората чрез прочувствени истории и образи. Дори хора без задълбочени познания или образование могат да получат прозрение, вдъхновение и морални уроци от традиционното изкуство. Помислете колко много хора в традиционните западни общества са научили правилното от грешното, доброто от злото чрез средствата на народните приказки като „Хензел и Гретел“ и „Снежанка“.
В Китай много поколения са се учили от четирите велики романа („Водният бряг“, „Пътуване на Запад“, „Романът на трите царства“ и „Сънят на Червената стая“) и от традиционните изкуства на разказването на истории и драмата. Такива произведения позволяват на хората да усетят божественото величие и ги карат да копнеят да се приобщят към небесните принципи.
Дегенеративните ценности също оказват невидимо влияние чрез изкуството. Преподавателят по сценарно писане Робърт Маккий пише в книгата си „Същност, структура, стил и принципи на сценарното писане“: „Всяка ефективна история изпраща към нас заредена идея, като на практика я натрапва на нас, за да повярваме. Всъщност убеждаващата сила на една история е толкова голяма, че можем да повярваме в нейния смисъл, дори ако я намираме за морално отблъскваща.“ [5]
Изкуството може да окаже огромно въздействие – както положително, така и отрицателно – върху човешкия морал, мислене и поведение.
„Ефектът на Моцарт“ например привлича вниманието на световната научна общност, която провежда редица изследвания за положителното влияние на музиката на Волфганг Амадеус Моцарт върху хората и животните. През 2016 г. едно по-задълбочено проучване на „ефекта на Моцарт“ установява, че музиката на композитора има положително въздействие върху когнитивните функции и поведението на хората. Изненадващо, пускането на музиката на Моцарт в обратна посока има обратен ефект. Модерната атонална музика на австрийския композитор Арнолд Шьонберг има ефект, подобен на този от възпроизвеждането на Моцарт в обратен ред, което показва нейните отрицателни качества. [6]
В сравнение с атоналната музика, рокендролът може да има още по-голям отрицателен ефект. Един изследовател събира данни от два сходни града и установява, че в града, в който по радиото и телевизията се излъчват голям брой рок песни, се наблюдават с 50% повече случаи на извънбрачна бременност, отпадане от училище, смърт на млади хора, престъпления и т.н. [7] Някои рок музикални произведения дори възхваляват самоубийството. Един коментатор, позовавайки се на песен на известна рокзвезда, срещу която са заведени няколко съдебни дела от родители на млади слушатели, пише: „Нейните мрачни ритми и депресиращи текстове със сигурност могат да се приемат като насърчаване на самоубийство и е неопровержим факт, че млади хора многократно са посягали на живота си, докато са я слушали.“ [8] Не е необичайно тийнейджърите, които се самоубиват, да постъпват по начина, описан в текстовете на рок песните, а много от самите рок музиканти да изпадат в депресия и злоупотреба с наркотици или да отнемат живота си.
Друг добре известен пример за негативно използване на изкуството е нацисткият пропаганден филм „Триумф на волята“. Въпреки аргумента на режисьорката Лени Рифенщал, че е създала само документален филм, пропагандният филм показва превъзходно художествено майсторство. Грандиозните сцени и демонстрациите на сила карат публиката да резонира с енергията, която стои зад тях. Нейните многобройни новаторски техники на снимане и техническо майсторство оказват влияние върху киното за десетилетия напред. Въпреки това творбата се превръща и в решаваща пропагандна част за Хитлер и нацистка Германия и е известна като едно от най-успешните произведения на пропагандата в историята. В некролога на Рифенщал, публикуван в британския вестник „Индипендънт“ през 2003 г., се казва: „Триумфът на волята съблазни много мъдри мъже и жени, убеди ги по-скоро да се възхищават, отколкото да презират, и несъмнено спечели на нацистите приятели и съюзници по целия свят.“ [9]
Разбирането за великата сила на изкуството може да ни помогне да вникнем по-добре в значението на традиционното изкуство и защо зли елементи искат да го подкопаят и унищожат.
3. Саботаж и злоупотреба с изкуството от страна на комунизма
Тъй като изкуството има такъв огромен ефект върху обществото, не е изненадващо, че комунизмът го използва, за да постигне целта си – социално инженерство върху човечеството и довеждането му до унищожение.
а. Изкуството в комунистическите страни
Комунистическите партии познават силата на изкуството и превръщат всички форми на изкуството в инструменти за напредък в процеса на промиване на съзнания. Много хора са се присмивали на Китайската комунистическа партия (ККП) за това, че певци и актьори стават военни генерали. Те се чудят как цивилни лица, които никога не са били обучавани в областта на оръжията или военното дело, могат да бъдат квалифицирани като генерали. ККП вярва, че тези хора са също толкова важни за популяризирането и поддържането на комунистическия култ, колкото и обучените военни – а може би дори по-важни. В този смисъл нейните военни звания напълно съответстват на партийните принципи. Както казва Мао Дзедун: „Трябва да имаме и културна армия, която е абсолютно необходима за сплотяване на собствените ни редици и за победа над врага.“ [10]
Художествените представления в комунистическите страни имат за цел да накарат хората да забравят мизерията, от която страдат под комунистическо управление, и да култивират лоялността им към комунистическата партия чрез изкуството. Този пропаганден ефект – наречен „работа с мисълта“ – не може да бъде постигнат само с военна сила.
Можем да сравним грандиозната церемония по откриването на Олимпийските игри в Пекин, организирана от ККП с огромни разходи за данъкоплатците, с мащабния фестивал за песни и танци „Ариранг“ в Северна Корея и балетните трупи в бившия Съветски съюз. Всички те обслужваха нуждите на партията.
През септември 2011 г. Министерството на културата на ККП организира т.нар. фестивал на китайската култура „Китай: Кенеди“ в Центъра за сценични изкуства „Джон Ф. Кенеди“ във Вашингтон, окръг Колумбия. Той включваше характерното за ККП пропагандно произведение – балета „Червеният отряд на жените“, който насърчава класовата омраза и насилствената революция.
Ако на почтеното изкуство, което е близко до божественото и насърчава традиционните ценности, се позволи да съществува едновременно с контролираното от партията изкуство, използвано за промиване на общественото съзнание, то последното ще загуби монопола си и няма да има ефект. Ето защо всички комунистически страни поддържат строга цензура върху изкуствата и издателската индустрия.
б. Скритите комунистически елементи в Авангардното движение
В продължение на векове класическото изкуство се предава от поколение на поколение. Тази традиция продължава до ХХ век, когато настъпва нейният рязък край. Предаването и унаследяването на изкуството са нарушени от радикалното авангардно движение и то започва бързо да деградира. Както казва художникът Роберт Флорчак: „Дълбокото, вдъхновяващото и красивото бяха заменени от новото, различното и грозното… Стандартите се понижиха, докато не останаха никакви стандарти. Остана само личното изразяване.“ [11] По този начин човечеството губи универсалното си чувство за естетика.
Източникът на този акумулатор на нови художествени движения е тясно свързан с идеологическите тенденции, повлияни от комунизма. Много от тези художници са били или заклети комунисти или паракомунисти от един или друг вид, или са били подвластни на влиянието на тези идеологии.
Георг Лукач, унгарският културен комисар на Комунистическия интернационал и основател на западния марксизъм, създава Франкфуртската школа. Една от задачите ѝ е да създаде „нова културна форма“, изоставяйки традиционната култура. Тази нова културна форма изключва изкуството, което се опитва да представи божественото. Херберт Маркузе, германски социалист и представител на Франкфуртската школа, пише: „Изкуството едновременно протестира срещу тези [съществуващи социални] отношения и в същото време ги надхвърля. По този начин изкуството подкопава господстващото съзнание, обикновения опит.“ [12] Тоест марксистите въвличат изкуството в бунта срещу божественото и в подриването на морала. Възгледи от този род доминират в посоката на развитие на съвременното изкуство.
Гюстав Курбе, основателят на френската реалистична школа, е участник в Парижката комуна. Той е избран за член на комитета на Комуната и за председател на радикалната Федерация на художниците. Курбе се посвещава на преобразуването на старата система и установяването на нови художествени направления. Той нарежда на Федерацията да разруши сложната неокласическа колона на Вандом (която по-късно е възстановена). Курбе отрича, че човешките същества са създадени от Бога, и е решен да използва изкуството, за да изрази мирогледа на пролетариата, както и материализма. Известен е с думите си: „Никога не съм виждал нито ангели, нито богини, затова не се интересувам да ги рисувам“. [13]
Курбе вярва, че реформирането на изкуството всъщност е водене на революция. В името на рисуването на това, което той нарича „реалност“, той заменя красотата с грозота. Неговите картини с голи тела, например, се фокусират по-специално върху изобразяването на женските гениталии – предполагаем революционен акт – като начин да се разбунтува, да престъпи традицията и по някакъв начин да подтикне допълнително комунистическата активност. Мисленето и животът на Курбе илюстрират тясната връзка между комунистическата идеология на революцията и модерното изкуство.
Под влиянието на модернистичната мисъл революционният плам на художниците от края на XIX в. предизвиква редица движения в света на изкуството. За разлика от традиционните школи за художествено изразяване, това са авангардни движения, които изрично се стремят да разчупят традицията. Терминът „авангард“ е използван за първи път от учени социалисти, за да опишат художествени движения, които съответстват на собствените им политически стремежи.
В края на XIX в. тези влияния довеждат до появата на импресионизма. Оттогава насам модерните художници изоставят изискванията на традиционната маслена живопис, включително прецизността, пропорциите, структурата, перспективата и преходите между светлина и сянка. След това се появяват неоимпресионизмът (поантилизмът) и постимпресионизмът, които съсредоточават творбите си върху изследването на личните чувства на художника. Представителни фигури в тази школа са Жорж-Пиер Соро и Винсент ван Гог, като и двамата са склонни към социализъм. Ван Гог злоупотребява с алкохол и по-късно в живота си отключва психично заболяване, а картините му сякаш отразяват света, който хората преживяват под въздействието на наркотици.
Произведенията на изкуството съдържат посланията, които техните създатели са искали да предадат. Художниците по време на пика на Ренесанса предават на публиката си състрадание и красота. Сравнете това със съвременните художници, които излъчват негативни и мрачни послания. Съвременните художници изоставят собствените си мисли и се оставят да попаднат под контрола на нисши и призрачни същности. Самите те често са непоследователни и объркани, а творбите им са подобни – тъмни, негативни, мъгливи, сиви, депресивни, декадентски и разхвърляни.
След импресионизма идват експресионизмът и фовизмът, последвани от кубизма на Пабло Пикасо. През 1944 г. Пикасо се присъединява към Френската комунистическа партия. В писмото си „Защо станах комунист“ той пише: „Присъединяването ми към Комунистическата партия е логична стъпка в моя живот, моето творчество и им придава смисъл. … По свой собствен начин винаги съм казвал това, което съм смятал за най-истинско, най-справедливо и най-добро, а следователно и за най-красиво. Но по време на потисничеството и въстанието почувствах, че това не е достатъчно, че трябва да се боря не само с живописта, но и с цялото си същество. [14]
Пикасо насърчава скъсването с класическите методи на рисуване. За него всичко е парче тесто, което може да се вземе и оформи, както му харесва. Колкото по-едри стават творбите му, толкова по-щастлив сякаш е той. Процесът на създаване на чудовищни образи е процес на унищожаване на образа до степен, в която никой не може да го разбере. Дори Жорж Брак, модерният художник, съосновател на кубизма заедно с Пикасо, при разглеждането на „Авиньонските девици“ на Пикасо е „ужасен от нейната грозота и интензивност“. Според него Пикасо е „пил терпентин и плюел огън“, действайки повече като карнавален артист, отколкото като художник. [15]
Марсел Дюшан, ранен член на дадаизма, също се стреми да подкопае и да се разбунтува срещу традицията с показването и използването на готови предмети. Той използва повторно намерени или фабрично произведени предмети и ги превръща в така наречените арт инсталации. Дюшан, който е наричан бащата на концептуалното изкуство, защитава идеята, че всичко може да се нарече изкуство. Самото дадаистко движение е комунистически проект, за което свидетелства манифестът на берлинските дадаисти, които призовават за „международен революционен съюз на всички творчески и интелектуални мъже и жени на основата на радикалния комунизъм“, както и за „незабавно експроприиране на собствеността (социализация) и комунално изхранване на всички“ и „издигане на градове от светлина и градини, които ще принадлежат на цялото общество и ще подготвят човека за състояние на свобода“. [16]
Критиката на дадаизма към традицията прераства в сюрреализъм във Франция, представен от комуниста Андре Бретон, който се застъпва за революция. Той е против предполагаемото потискане, донесено от разума, културата и обществото – възглед, характерен за модерните художници в Европа по онова време.
Художествените течения, които разширяват тези принципи, включват абстракционизъм, минимализъм, поп арт и постмодернизъм. Абстракционизмът е свързан с емоционалното изразяване на бунта, безпорядъка, празнотата и бягството. Уродливото потъпкване на моралните ценности е очевидно в тези изкуства днес. В най-скандалните си прояви тези художници създават произведения, които открито оскверняват религиозни фигури като Исус Христос.
Не всички съвременни художници подкрепят лявата политика, но има ясна идеологическа прилика с комунистическата мисъл – това е отхвърлянето на божественото и стремежът да се замени божественото като отправна точка за разбиране на човешкия живот. Тези произведения започват да оказват все по-голямо влияние в публичната сфера и в крайна сметка водят до пълното маргинализиране на класическото изкуство.
в. Преобръщане на традиционната естетика – грозното като произведение на изкуството
Многобройните школи на модерното изкуство, които се появяват и развиват, имат няколко общи черти: те преобръщат традиционната естетика, приемат грозотата за красота и се стремят да шокират, дори да бъдат толкова ужасни, колкото въображението на художника позволява.
Марсел Дюшан подписва името си върху писоар и го нарича „Фонтан“, за да бъде изложен на публиката в Ню Йорк. Въпреки че обектът никога не е изложен, действието на Дюшан е смятано за умна шега сред колегите му в света на изкуството, а по-късно художници и учени го смятат за връх на творчеството. Такава е и обстановката в света на изкуството, при която класическата живопис на статива е маргинализирана, а на преден план се издигат арт инсталациите. През 1958 г. Ив Клайн организира изложбата си „Празнота“ в галерия „Ирис Клер“ в Париж. Изложените творби се оказват празни бели стени.
Една от основните фигури на следвоенния германски авангард, Йозеф Бойс, покрива главата си с мед и златни листа и в продължение на три часа мърмори без прекъсване на мъртъв заек в ръцете си в творбата „Как да обясним картини на мъртъв заек“ от 1965 г. Според Бойс всеки може да бъде художник. Един анекдот разказва, че разочарован слушател веднъж му извикал: „Говориш за всичко под слънцето, освен за изкуство!“. Бойс уж отговорил: „Всичко под слънцето е изкуство!“. [17]
През 1961 г. Пиеро Манцони, ключова фигура на авангарда, заявява, че е поставил собствените си изпражнения в деветдесет кутии, нарекъл ги е произведения на изкуството и ги е пуснал за продажба под името Merda d’artista („Изпражненията на художника“). През 2015 г. една от кутиите е продадена в Лондон за рекордната цена от 182 500 паунда, или около 240 000 щатски долара, което е стотици пъти повече от цената на същото тегло в злато. Той също така подписва името си върху телата на голи жени като част от серия, която нарича Sculture viventi („Жива скулптура“).
В Китай имало един гол „художник“, който покривал тялото си с мед и рибено масло, за да привлича мухите. Оскверняването на тялото изглежда има за цел да предаде идеята, че животът е евтин, грозен и отвратителен. В документалния филм на BBC „Пекински люлки“, посветен на „екстремните артисти“ в Китай, така нареченото пърформанс изкуство включва перформативна консумация на човешки плод. На фона на общественото осъждане, че подобно изкуство е „отвратително“, художественият критик Валдемар Янушчак, водещ на документалния филм, неволно разкрива истинската му същност с думите: „Струва си да се опитаме да разберем защо Китай произвежда най-скандалното и най-мрачното изкуство от всички в света.“ [18] Всъщност това е резултат от стремежа към демоничното. Някои от тези съвременни, така наречени произведения на изкуството са толкова мръсни и безсрамни, че надхвърлят умствената издръжливост на нормалните хора. Такова поведение на авангарда е Културната революция в света на изкуството.
Онези, които подкрепят модернизма, са се вкопчили в тенденцията като патици във вода, но на художниците, които наистина владеят техническите умения на живописта, им е трудно. Художниците и скулпторите, които се придържат стриктно към традицията, които овладяват занаята си чрез усърдна практика, са изтласкани от света на изкуството. Джон Уилям Годуърд, английският викториански художник-неoкласик, свързан с Братството на прерафаелитите, е смятал, че е дискриминиран, като се има предвид, че неговият стил на реалистична класическа живопис е изпаднал в немилост с възхода на модернистичните творби на Пикасо. През 1922 г. той се самоубива и се твърди, че в предсмъртното си писмо е написал: „Светът не е достатъчно голям за мен и Пикасо“. [19]
Подобни методи са възприети и за съсипване на музиката. Автентичната музика е съобразена с музикалната теория и ред. Музикалната настройка, тоновете и ладовете, които тя създава, произтичат от хармонични природни закономерности. Вселената, създадена от божественото, е хармонична. Хората са в състояние да оценят и да участват в хармонията на вселената и по този начин да създават красота, тъй като хората също са създадени от божественото.
Съвременната атонална музика отхвърля идеи като тоналност, акорди и мелодия и в структурата ѝ липсва ред. Такава музика е бунт срещу божествено придадената класическа музика. Атоналната музика нарушава хармонията във вселената, поради което много слушатели я намират за неприятна. Модернистичните музиканти твърдят, въз основа на изопачените си теории за естетиката, че слушателите трябва да тренират ушите си, за да свикнат с такава музика и да ѝ се наслаждават.
Шьонберг, един от основателите на модерната музика, въвежда своята „дванадесеттонова система“ – фундаментално атонална структура, която бележи създаването на антикласическа музикална техника. Музиката на Шьонберг е смятана за отрицание на цялата дотогавашна немска музикална култура – предателство на вкуса, чувствата, традицията и всички естетически принципи. Музиката му е наричана от германците по онова време „кокаин“: „Да изпълняваш Шьонберг означава същото като да отвориш кокаинов бар за хората. Кокаинът е отрова. Музиката на Шьонберг е кокаин.“ [20]
В по-късните поколения един музикален критик го оценява така: „Петдесет години след смъртта си той все още може да изпразни всяка зала на земята.“ [21]
Това, което довежда до широкото приемане на Шьонберг, са музикалните теории на Теодор В. Адорно, важна фигура във Франкфуртската школа. В труда си „Философия на модерната музика“ от 1949 г. Адорно представя Шьонберг като „квинтесенцията на модернизма в музиката“ и обяснява дванадесеттоновия композиционен метод на Шьонберг като кулминация на опита да се даде на музиката „автономен статут и структурна самодостатъчност в отговор на вездесъщото господство на капиталистическата идеология“. Философската подкрепа, която Адорно оказва на Шьонберг, подготвя почвата за широкото възприемане на системата на Шьонберг от следващите поколения композитори и музикални критици. [22] Оттогава насам многобройни музиканти подражават на Шьонберг, а авангардният му стил оказва голямо влияние върху следвоенния музикален свят.
След като унищожава традицията с модерната музика, авангардното изкуство използва рокендрола, за да измести ролята на класическата музика в живота на хората. Сидни Финкелщайн, водещият музикален теоретик на Комунистическата партия на САЩ, открито заявява, че границите между класическата и популярната музика трябва да бъдат премахнати. Приблизително по същото време силно ритмичната рок музика придобива все по-голяма сила в Съединените щати, докато класическата и традиционната музика е изтласкана и маргинализирана.
Характеристиките на рокендрола включват нехармонични звуци, неструктурирани мелодии, силни ритмични удари и емоционален конфликт – доста сходни с комунистическата идея за борба. Според „Записите на великия историк“ на най-известния китайски историк на древността Съма Циен само когато звукът отговаря на морала, може да се нарече музика. Обикновено животът и композициите на рокендрол музикантите са съсредоточени около секса, насилието и наркотиците.
Рокендролът, заедно с други модерни звуци като рап и хип-хоп, продължава да набира популярност в Съединените щати. Рапърите изтъкват своя бунт срещу традициите и обществото с непринудената употреба на наркотици, неприличния език и невъздържаното, насилствено поведение. С упадъка на морала на обществото като цяло подобни „форми на изкуство“, считани преди това за продукт на субкултурите, си проправят път към по-широкото общество и дори са търсени от основните места за представления.
Дотук се спряхме на настоящите обстоятелства в света на изкуството и музиката. Всъщност целият артистичен свят е силно повлиян, а влиянието на движението за модерно изкуство може да се види в отклонението от традиционните идеи, методи и умения в области като скулптура, архитектура, танц, декорация, дизайн, фотография, филми и др.
Много хора, които се занимават с модерно изкуство, са силно повлияни от комунистическата идеология. Например основателката на модерния танц Айседора Дънкан е била открита бисексуална и атеистка. Тя се е противопоставяла на балета, като го е наричала грозен и неестествен. През 1921 г. тя и 150 деца, които нямат почти никакво танцово образование, изпълняват нейното произведение „Интернационал“ на фона на комунистическия химн в Москва за елита на комунистическата партия, включително Владимир Ленин. [23]
Що се отнася до причината, поради която тези отклонения съществуват и се превръщат в мода или дори в основно течение, тя е тясно свързана с покварата на боговдъхновените традиционни изкуства от страна на комунизма. На пръв поглед, разбира се, това не е очевидно и ситуацията изглежда като форма на самозаблуда, която е била широко приета – схващането, че ако има теория зад него, то това е изкуство.
Ако хората се вгледат по-внимателно в разликите между авангардното и традиционното изкуство, ще открият, че художниците от Ренесанса не само са използвали изкуството, за да възхваляват Бога, но и са представяли красотата по възвишен начин, който поражда в човешкото сърце чувства на истина и доброта. По този начин изкуството е спомогнало за поддържането на морала в обществото.
От друга страна, различните мутирали форми на авангарда се опитват да преобърнат всички постижения на Ренесанса, „да унищожат възвисяващия – следователно буржоазен – потенциал на изкуството, литературата и музиката, така че човекът, лишен от връзката си с божественото, да вижда единствената си творческа възможност в политическия бунт“. Уродството, което е „така грижливо подхранвано от Франкфуртската школа [е] покварило нашите най-висши културни начинания“, а популярната култура на свой ред става „открито зверска“, пише един академик. [24] Възхищението и боготворенето на такава грозота поражда тъмната страна на хората; упадъчните, покварените, насилствените, злите и други негативни видове мисли получават надмощие. Стремежът към подобна грозота води до деконструиране и уродливост на сцените на божественото, на собствената божествена природа на човечеството, на морала и обществото и дори до пряко богохулство срещу божественото. Това не само е отчуждило хората от божественото, но и от вродената им божествена природа, обществото и традиционните ценности.
г. Развращаване на литературата
Литературата е особена форма на изкуство. Тя използва езика, за да предаде мъдростта, която ни е завещана от божественото, както и да запише древната история на човечеството. Двата велики епоса на Древна Гърция „Илиада“ и „Одисея“ описват сложната поредица от събития, свързани с Троянската война, като живо представят историческата епопея на богове и хора. Добродетелите на смелостта, щедростта, мъдростта, справедливостта и въздържанието, възхвалявани в епосите, се превръщат във важен източник на ценности за гръцкия свят и за цялата западна цивилизация.
Поради голямото влияние, което има литературата, тя бива използвана от зли елементи, за да контролират хората, като измислят и популяризират писмени произведения, които внушават идеологията на комунизма, клеветят традиционната култура, разрушават морала на хората и разпространяват песимизъм и нагласа за пасивност и безсмислие към живота. Литературата се превръща в един от основните инструменти, които комунизмът използва, за да контролира света.
По време на историята на Съветския съюз и на ККП, за да промият съзнанията на широката общественост, съответните комунистически партии инструктират своите интелектуалци да изобразяват, използвайки традиционни техники, живота на пролетариата и концепцията за класовото съзнание, за да обяснят идеологията и политиката на комунистическата партия. Така се появяват голям брой пропагандни литературни произведения, сред които съветските романи „Железният потоп“ и „Как се каляваше стоманата“, както и произведенията на ККП „Песента на младостта“, „Слънцето грее над река Санган“ и други, които имат огромно въздействие. Комунистическите партии наричат този стил на творчество „социалистически реализъм“. Мао обобщава функцията му като „служене на работниците, селяните и войниците“, служене на „пролетариата“. [25] Способността на този тип литература да насажда идеология е очевидна и добре разбираема. Използването на литературата от страна на комунизма за унищожаване на човечеството обаче не се ограничава само до тези примери.
По-долу са обобщени някои от основните цели и ефекти на повлияната от комунизма литература.
Литературата като инструмент за унищожаване на традициите
Основна стъпка в унищожаването на човечеството е оклеветяването на традиционните цивилизации, с които божественото е дарило човечеството. Независимо дали в Китай или на Запад комунистическите елементи използват интелектуалци с модерно мислене, за да създават и популяризират произведения, които изопачават или клеветят традиционната култура.
По време на Културната революция в Китай писателят Лу Сюн става известен с това, че яростно напада традициите и заклеймява китайската древност. В първия му роман, „Дневникът на един луд“, главният герой заявява, че цялата китайска история може да се обобщи с два символа: „човекът яде“. Лу Сюн е похвален от Мао като „най-великият и смел знаменосец на тази нова културна сила“ и „главен командир на китайската културна революция“. Мао също така казва: „Пътят, който той пое, беше самият път на новата национална култура на Китай“. [26]
В Европа през 1909 г. италианският поет Филипо Томазо Маринети публикува „Манифеста на Футуризма“, в който призовава за пълно отхвърляне на традициите и възхвала на машините, технологиите, скоростта, насилието и конкуренцията. През 1913 г. руският поет и комунист Владимир Маяковски публикува манифеста „Шамар в лицето на обществения вкус“, в който изразява решимостта си да се откъсне от традиционната руска литература.
Отвратителните образи, представени като „реалност“
Днес интелектуалците и художниците използват литературата и изкуството, за да изобразяват неща или сцени, които са грозни, странни и ужасяващи, като се оправдават, че просто показват нещата такива, каквито са в действителност.
Традиционното изкуство предава хармония, изящество, яснота, сдържаност, благоприличие, баланс, универсалност и идеали, които изискват подбор. Според съвременните художници такива творби не могат да се смятат за истински. Този възглед обаче произтича от неразбиране на произхода и функцията на изкуството. Изкуството произхожда от всекидневния живот, но то трябва да надхвърля всекидневния живот, за да може едновременно да доставя удоволствие и да поучава. Поради това по време на творческия процес художниците трябва да избират, усъвършенстват и обработват това, което изобразяват.
Сляпото фокусиране върху това разбиране за реализъм изкуствено ограничава границите на живота и изкуството. Ако този тип реализъм е изкуство, тогава всичко, което всеки вижда и чува, е изкуство – в такъв случай защо да се харчат време и пари за обучение на художници?
Разрушаване на моралните ценности
Чрез „изразяване на истинската същност“ и даване на свобода на „потока на съзнанието“, хората изоставят традиционните морални норми и се отдават на демоничната страна на човешката природа.
Френският комунист и поет Андре Бретон определя сюрреализма като „психически автоматизъм в чист вид, чрез който се предлага да се изрази – словесно, чрез писаното слово или по друг начин – действителното функциониране на мисълта. Продиктуван от мисълта, в отсъствието на какъвто и да е контрол, упражняван от разума, освободен от всякаква естетическа или морална загриженост.“ [27]
Писането „поток на съзнанието“ и сюрреалистичното „автоматично писане“ са тясно свързани. Повлияни от психопатологията на Зигмунд Фройд, някои писатели на Запад започват да експериментират с писането на „поток на съзнанието“ от началото на ХХ век. Такива писания обикновено имат прости сюжети и се фокусират върху вътрешните и личните мисловни процеси на незначителни герои (антигерои) чрез разкази, съставени от криволичещи мисли.
Човешките същества едновременно притежават потенциал за добро и зло. Животът следва да бъде посветен на постоянно издигане на моралните норми и култивиране на добродетели чрез сдържаност. В съвременното общество много хора изпитват лоши мисли и желания. Излагането им на показ за публична консумация е равносилно на замърсяване на обществото.
Освобождаване на тъмната страна у човека и определянето ѝ като „критика“ и „протест“
Под влияние на антитрадиционалистките настроения писателите и художниците в свободния западен свят смятат, че всички закони, разпоредби и морални кодекси са ограничаващи и потискащи. Те виждат проблемите на съвременното общество и слабостите на човешката природа, но вместо да се справят с тях рационално, насърчават крайния индивидуализъм чрез критика и протест, отдавайки се на личните си желания.
Те използват дегенеративни средства, за да изразят т.нар. съпротива, като същевременно засилват тъмната страна на своята природа, отдавайки се на омраза, мързел, охолство, похот, агресия и стремеж към слава. Липсата на морално самоограничение не може да реши социалните проблеми, а само може да ги влоши.
По време на движението за контракултура през 60-те години на ХХ век американският поет Алън Гинсбърг става представител на бийт-поколението и е почитан и до днес от онези, които искат да се бунтуват срещу обществото. В стихотворението му „Вой“ се описват екстремни начини на живот и психически състояния, включително алкохолизъм, сексуална разпуснатост, наркотици, содомия, самонараняване, проституция, скитничество, насилствени нападения, кражби и лудост.
Когато движението на контракултурата се институционализира, „Вой“ започва да се смята за литературна класика и е включен в множество литературни сборници. Гинсбърг признава, че е „комунист от дете“ и не съжалява за това. [28] Той боготвори Фидел Кастро и други комунистически диктатори и широко пропагандира хомосексуализма и педофилията. Гинсбърг е ярък представител на общото между комунизма и крайния индивидуализъм.
Разпространяване на порнография
От началото на ХХ век в литературните произведения започва да се появява открито сексуално съдържание и все пак някои от тях продължават да бъдат определяни като класика. Много коментатори и учени изоставят социалните си отговорности и възхваляват такива порнографски произведения като истински художествени шедьоври. Голяма част от традиционния морал се основава на праведните взаимоотношения между половете и въздържанието. Нарушаването на тези ограничения – с каквото и да е благородно звучащо оправдание – подкопава и разрушава морала.
Обезчовечаване на обществото
През последните няколко десетилетия, докато културата все повече се объркваше, се появиха много жанрови произведения, включително трилъри и произведения на ужаса, свръхестественото и фантастиката. Чрез такива произведения елементи от ниско ниво могат да контролират умовете и телата на хората, което води до дехуманизация на човешките същества.
„Триметровият леден блок не е резултат само от един ден студ“ – гласи една поговорка. Необходим е дълъг период от време и участието на много области, за да може литературата да деградира дотолкова, че да се превърне в инструмент на злото. Романтизмът разширява обхвата на литературата по отношение на личния и вътрешния живот на хората и някои грозни и странни явления – включително крайни и налудничави човешки психични състояния – са представени за публична консумация. Няколко британски поети-романтици са наречени колективно „Сатанинската школа“ заради неморалното съдържание на техните стихотворения.
Реализмът използва претекста за представяне на реалността, за да изрази низката страна на човешката природа. По този начин в някои произведения се набляга на изкривените мисли и неморалното поведение. Неслучайно един критик нарича реализма „романтизъм на четири крака“. [29]
Философията на натурализма, прокарвана от Жан-Жак Русо, приписва упадъка на човешкия морал на социалната среда и семейната генетика, като по този начин премахва моралната отговорност на индивида. Естетизмът призовава към „изкуство заради самото изкуство“, твърдейки, че изкуството е предназначено просто да предоставя сетивни стимули и не носи морален императив.
Всъщност всяко изкуство има фино, дълбоко и дълготрайно въздействие върху моралния компас. Отричането на моралната отговорност на изкуството позволява да се промъкне аморалното. Въпреки че различните литературни школи са създали някои висококачествени произведения, те са създали и ужасни произведения. Негативните елементи очевидно са резултат от упадъка на моралните норми и те на практика проправят пътя на комунистическата идеология да унищожи човечеството чрез литературата.
Когато човек пише, неговият морален стандарт и психическо състояние се отразяват в произведението му. С цялостния упадък на човешкия морал негативното мислене на писателите заема доминираща позиция. Това е довело до създаването на многобройни произведения, които вместо да се стремят да разкрият доброто у хората, ги дърпат надолу към ада.
4. Възраждане на истинското Изкуство
Силата на изкуството е огромна. Доброто изкуство може да коригира човешкото сърце, да издигне морала, да хармонизира ин и ян и дори да позволи на хората да се свържат с небето, земята и божествените същества.
През миналия век призракът на комунизма се възползва от демоничната природа и злобата на човека, като подтикна към създаването на огромно разнообразие от така нареченото „изкуство“. Хората бяха подтикнати да се бунтуват срещу божественото и да го хулят, да се противопоставят на традицията и да преобръщат морала. В крайна сметка това доведе до превръщането на голяма част от обществото в демонична, до степен, която би била дълбоко шокираща за всеки, живял в предишна епоха.
В сравнение с красотата на традиционните изкуства съвременните произведения са изключително грозни. Човешките естетически стандарти са унищожени. Авангардът се е превърнал в основна тенденция и печели огромни суми пари, докато традиционните, праволинейни изкуства са опорочени.
Изкуствата са манипулирани и са превърнати в средство, чрез което хората се отдават на желанията си и дават воля на демоничната си природа. Границата между красивото и грозното, изяществото и пошлостта, доброто и злото е размита или дори заличена. Гротескното, хаосът и мракът са заели мястото на универсалните ценности. Човешкото общество е изпълнено с демонични послания, а човешките същества се насочват по пътя на упадъка и разрухата.
Само чрез издигане на морала и завръщане към вярата и традицията човечеството ще може да види нов ренесанс на изкуствата. Само тогава всички ще видим красотата, благородството и великолепието на това, което изкуството може да бъде и е предназначено да бъде.
Напред към Дванадесета глава – I част
Назад към Десета глава
Референции
1. “Record of Music,” in Classic of Rites, trans. James Legge, Chinese Text Project, accessed May 8, 2020, https://ctext.org/liji/yue-ji?filter=435370&searchmode=showall#result.
2. Confucius 孔子, Lun Yu 論語 [The Analects of Confucius] (New York: Ballantine Books, 1999), 3.14. [In Chinese]
3. Sima Qian, “A Treatise on Music,” in Records of the Grand Historian, trans. Burton Watson, vol. 24, 3rd ed. (New York: Columbia University Press, 1995).
4. Ouyang Xiu 歐陽脩 and Song Qi 宋祁, Xin Tang Shu 新唐書 [New Book of Tang], vol. 237 (1060). [In Chinese]
5. Robert McKee, Story: Style, Structure, Substance, and the Principles of Screenwriting (New York: ReganBooks, 1997), 129–130.
6. Yingshou Xing et al., “Mozart, Mozart Rhythm and Retrograde Mozart Effects: Evidences from Behaviours and Neurobiology Bases,” in Scientific Reports, vol. 6 (January 21, 2016), https://www.nature.com/articles/srep18744.
7. David Noebel, The Marxist Minstrels: A Handbook on Communist Subversion of Music (Tulsa, OK: American Christian College Press, 1974), 58–59.
8. David Cloud, “Rock Music and Suicide,” Way of Life Literature, December 20, 2000, https://www.wayoflife.org/reports/rock_music_and_suicide.html.
9. Val Williams, “Leni Riefenstahl: Film-maker Who Became Notorious as Hitler’s Propagandist,” The Independent, September 10, 2003, https://web.archive.org/web/20090830045819/http://www.independent.co.uk/news/obituaries/leni-riefenstahl-548728.html.
10. Mao Zedong, “Talks at the Yenan Forum on Literature and Art,” in Selected Works of Mao Tse-Tung (Beijing: Foreign Languages Press), Marxists Internet Archive, accessed on April 23, 2020, https://www.marxists.org/reference/archive/mao/selected-works/volume-3/mswv3_08.htm.
11. PragerU, “Why Is Modern Art So Bad?”, YouTube, September 1, 2014, https://www.youtube.com/watch?v=lNI07egoefc.
12. Herbert Marcuse, The Aesthetic Dimension: Toward a Critique of Marxist Aesthetics (Boston: Beacon Press, 1978), ix.
13. Jackson Spielvogel, Western Civilization: Volume C: Since 1789 (United States: Cengage Learning, 2010), 698.
14. Pablo Picasso, “Why I Became a Communist” (1945), as quoted in “Picasso, the FBI, and Why He Became a Communist,” Meyer Schapiro Collection at Columbia University’s Rare Book & Manuscript Library, February 24, 2010, accessed July 11, 2018, https://blogs.cul.columbia.edu/schapiro/2010/02/24/picasso-and-communism.
15. Robert Hughes, The Shock of the New: The Hundred-Year History of Modern Art—Its Rise, Its Dazzling Achievement, Its Fall (London: Knopf, 1991), 24.
16. Richard Huelsenbeck and Raoul Hausmann, “What Is Dadaism and What Does It Want in Germany?”, in Charles Harrison and Paul Wood, Art in Theory, 1900–2000: An Anthology of Changing Ideas, 2nd ed. (Malden, Mass, Oxford: Blackwell Pub, 2003).
17. Joseph Beuys, as quoted in “Joseph Beuys: The Revolution Is Us,” Tate.org, February 23, 1993, https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-liverpool/exhibition/joseph-beuys-revolution-us.
18. Waldemar Januszczak, as quoted in Ben Cade, “Zhu Yu: China’s Baby-Eating Shock Artist Goes Hyperreal,” Culture Trip, October 5, 2016, https://theculturetrip.com/asia/china/articles/zhu-yu-china-s-baby-eating-shock-artist-goes-hyperreal.
19. John Wiiliam Godward, as quoted in Brad Smithfield, “‘The World Is Not Big Enough for Me and a Picasso’: The Life and Artwork of John William Godward,” The Vintage News, January 10, 2017, https://www.thevintagenews.com/2017/01/10/world-not-big-enough-picasso-life-artwork-john-william-godward.
20. Walter Frisch, ed., Schoenberg and His World (Princeton, NJ: Princeton University Press, 1999), 94.
21. Norman Lebrecht, “Why We’re Still Afraid of Schoenberg,” The Lebrecht Weekly, July 8, 2001, http://www.scena.org/columns/lebrecht/010708-NL-Schoenberg.html.
22. Golan Gur, “Arnold Schoenberg and the Ideology of Progress in Twentieth-Century Musical Thinking,” Search: Journal for New Music and Culture, 5 (Summer 2009), http://www.searchnewmusic.org/gur.pdf.
23. Julia Mickenberg, American Girls in Red Russia: Chasing the Soviet Dream (United States: University of Chicago Press, 2017), 216–217.
24. Michael Minnicino, “The New Dark Age: The Frankfurt School and ‘Political Correctness,’” in Fidelio Magazine 1, no.1 (Winter 1992), accessed April 24, 2020, http://archive.schillerinstitute.org/fid_91-96/921_frankfurt.html.
25. Mao Zedong, “Talks at the Yenan Forum.”
26. Mao Zedong, “On New Democracy,” in Selected Works of Mao Tse-Tung (Beijing: Foreign Languages Press, 1942), Marxists Internet Archive, accessed on April 24, 2020, https://www.marxists.org/reference/archive/mao/selected-works/volume-2/mswv2_26.htm.
27. André Breton, Manifestoes of Surrealism, trans. Richard Seaver and Helen Lane (Ann Arbor, MI: University of Michigan Press, 1969), 26.
28. Allen Ginsberg, “America,” Selected Poems 1947–1995 (New York: HarperCollins Publishers Inc., 2001).
29. Irving Babbitt, Rousseau and Romanticism (Boston: Houghton Mifflin, 1919), 104.
